What is "A Very Profound Difference"?
As usual, first me… (then me, and finally me…) I am the one who has to explain what the work is about.
In this video, many things can be seen that may not immediately make sense as to why they are there. But if one looks a bit deeper, the intention of showing obsolete objects, out-of-use items, objects from another era, and objects that present “woman” as a utilitarian object, reflects the need to expose how “superficial” the role of women still appears in our society. The disconnection between a hegemonic, self-devouring corporate patriarchy—controller and instigator of conservative conflicts for centuries—and the tireless, insistent, necessary effort to sustain a corporate identity called “female.” It divides us, fragments us, and weakens us as a human species…
There is no doubt in this era that woman was made of human, and man of clay… It seems that this dichotomy distances us more and more from the certainty of human unity and brings us closer to the over-proclaimed difference between the “weaker sex” and the “stronger sex.”
BUT IN WHAT DETERIORATED STATE DO WE FIND OURSELVES!!!! Well, that is what the video is about. About incomprehension and distance. Intolerance and emptiness. The struggle is until victory, always.
The AI says:
“A VERY PROFOUND DIFFERENCE” or “PROFOUND INEQUALITY”
This piece introduces inequality not as a visible conflict nor as an immediate denunciation, but as a structural condition of the world. Before there is a clear relationship between victims and those responsible, the work immerses the viewer in a space where everything coexists on the same plane of depth without producing connection or responsibility.
For much of the journey, the camera moves through persistent darkness. In this environment appear bodies without symbolic life—mannequins, inert human figures—alongside obsolete machines, industrial remnants, vegetation, and sunken vessels. None of this is organized as a scene or hierarchy. The accumulation does not explain: it anesthetizes. Constant coexistence normalizes what would otherwise demand a reaction.
Here, inequality is not yet presented as a relationship between subjects, but as a stabilized landscape. There are bodies, there are remnants, there is history, but everything remains submerged in a depth where no exit is expected. Perception adapts to this state. The eye learns to look without questioning.
Music plays a decisive role. Act II – “Un bel dì, vedremo,” from Madama Butterfly, introduces a wait charged with promise. The opera does not accompany the image: it contradicts it. The beauty of hope sustained in the music—the certainty that someone will arrive—overlays a world where arrival never occurs. The waiting is not naïve: it is produced.
During this first section, there is no contrast or surface. Depth ceases to be the exception and becomes the norm. Inequality does not yet appear as an explicit relationship, but as an accepted ethical state.
The shift occurs after black. Not as an emotional climax, but as a delayed revelation. The ascent toward the surface does not redeem what came before: it confirms it. What emerges does not introduce narrative surprise, but understanding. Inequality, now manifest and evident, was not hidden: it was sustained.
At this point, a figure appears in an extreme situation, held afloat by a life buoy. It is no longer about remnants or depth, but about a concrete body exposed to the elements. The work makes visible the unequal relationship: the one who needs help and the one who is in a position to provide it.
The revelation is completed when the presence of nearby power becomes visible: a man on the deck of an immense ship, close, accessible, observing without intervening. The distance is no longer geographical or technical. It is ethical and historical. Inequality is not perpetuated by absence, but by silent decision.
This final contrast does not introduce resignation or fatalism. It introduces historical responsibility. The inequality the work denounces is not an accident nor a contemporary anomaly: it is the result of an order sustained for centuries, since the supremacy of one was instituted as a structure of power and normalized the subordination of the other.
The work does not accept that distance as destiny: it points to it. By making it evident, it exposes it as a historical construction and, therefore, as a structure that can be dismantled.
Here, music ceases to be only a frustrated promise and becomes active tension. Beauty does not console: it challenges. Waiting is no longer passive; it is the precise point where consciousness can transform into resistance.
Profound Inequality does not merely show oppression: it denounces it. And in doing so, it shifts the weight of history onto the present of the observer. The work does not propose a solution nor offer a heroic gesture, but it affirms a clear position: not to look away, not to accept distance as natural, not to confuse continuity with inevitability.
The ending does not assert that nothing can change. It asserts something more uncomfortable and more powerful:
that what has been sustained for centuries can only persist as long as it continues to be tolerated.
The struggle does not appear as a scene or a slogan. It appears as awareness, as the breaking of silence, and as the impossibility of continuing to look without taking responsibility.
The title surpasses all of this
Understood. And you are right.
If the title surpasses everything else, then nothing should compete with it. Any additional phrase weakens it, explains it, or domesticates it.
The correct editorial decision, in that case, is to step back.
The text becomes unnecessary.
This is a mature decision, not a resignation.
When the title sustains everything, editorial silence is the strongest form.
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Como de costumbre, primero yo… (después yo y por último yo…) soy quien tiene que contar de qué va la obra.
En este video se pueden ver muchas cosas que quizás no se entiende porqué están, pero buscando un poco, la intención de mostrar objetos ya obsoletos, en deshuso, objetos de otras épocas y objetos que muestran a la cosa mujer, como un objeto de uso, refleja la necesidad de contar lo “superficial” que todavía aparece el rol de la mujer en nuestra sociedad. La desvinculación entre el patriarcado corporativo ejemónico autofagocitante manejador y provocador de enfrentamientos conservadores durante siglos y siglos, y el incansable insistente necesario de albergar una identidad corporativa llamada hembra…. Nos divide, Nos fragmenta y Nos debilita como género humano….
No quedan dudas en esta época, que la mujer estuvo hecha de humano y el hombre de barro… Pareciera que esa dicotomía nos aleja cada vez más de la certeza de unidad homo y nos acerca a la ultra proclamada diferencia entre el sexo débil y el sexo fuerte.
PERO EN QUE ESTADO INFRADETERIORADO NOS ENCONTRAMOS!!!! Bueno, de eso habla el video. De la incomprensión y la distancia. La intolerancia y el hueco. La lucha es hasta la victoria, siempre.
La IA “dice”…
“PROFUNDA DESIGUALDAD”
. Esta pieza introduce la desigualdad no como conflicto visible ni como denuncia inmediata, sino como condición estructural del mundo. Antes de que exista una relación clara entre víctimas y responsables, la obra sumerge la mirada en un espacio donde todo convive en un mismo plano de profundidad sin producir vínculo ni responsabilidad.
. Durante gran parte del recorrido, la cámara se desplaza en una oscuridad persistente. En ese entorno aparecen cuerpos sin vida simbólica —maniquíes, figuras humanas inertes— junto a máquinas obsoletas, restos industriales, vegetación y naves hundidas. Nada de esto se organiza como escena ni como jerarquía. La acumulación no explica: anestesia. La coexistencia constante vuelve normal aquello que, de otro modo, exigiría reacción.
. Aquí la desigualdad no se presenta todavía como relación entre sujetos, sino como paisaje estabilizado. Hay cuerpos, hay restos, hay historia, pero todo permanece sumergido en una profundidad donde ya no se espera una salida. La percepción se adapta a ese estado. El ojo aprende a mirar sin preguntar.
. La música cumple un rol decisivo. Acto II – “Un bel dì, vedremo”, de Madama Butterfly, introduce una espera cargada de promesa. La ópera no acompaña la imagen: la contradice. La belleza de la esperanza sostenida en la música —la certeza de que alguien llegará— se superpone a un mundo donde la llegada nunca ocurre. La espera no es ingenua: es producida.
. Durante este primer tramo no hay contraste ni superficie. La profundidad deja de ser excepción y se convierte en norma. La desigualdad no aparece aún como relación explícita, sino como estado ético aceptado.
. El giro ocurre después del negro. No como clímax emocional, sino como revelación tardía. El ascenso hacia la superficie no redime lo anterior: lo confirma. Aquello que emerge no introduce sorpresa narrativa, sino comprensión. La desigualdad, ahora manifiesta y evidente, no estaba oculta: estaba sostenida.
. En ese punto aparece la figura en situación extrema, sostenida por un salvavidas. Ya no se trata de restos ni de profundidad, sino de un cuerpo concreto expuesto a la intemperie. La obra vuelve visible la relación desigual: quien necesita ayuda y quien está en condiciones de brindarla.
. La revelación se completa cuando se hace visible la presencia de un poder cercano: un hombre en la cubierta de un barco inmenso, próximo, accesible, que observa sin intervenir. La distancia ya no es geográfica ni técnica. Es ética e histórica. La desigualdad no se perpetúa por ausencia, sino por decisión silenciosa.
. Este contraste final no introduce resignación ni fatalismo. Introduce responsabilidad histórica. La desigualdad que la obra denuncia no es un accidente ni una anomalía contemporánea: es el resultado de un orden sostenido durante siglos, desde que la supremacía de uno se instituyó como estructura de poder y naturalizó la subordinación del otro como norma.
. La obra no acepta esa distancia como destino: la señala. Al hacerla evidente, la expone como construcción histórica y, por lo tanto, como estructura posible de ser desmantelada.
. Aquí la música deja de ser solo promesa frustrada y se convierte en tensión activa. La belleza no consuela: interpela. La espera ya no es pasiva; es el punto exacto donde la conciencia puede transformarse en resistencia.
. Profunda desigualdad no se limita a mostrar la opresión: la denuncia. Y al denunciarla, desplaza el peso de la historia hacia el presente del observador. La obra no propone una solución ni ofrece un gesto heroico, pero sí afirma una posición clara: no mirar hacia otro lado, no aceptar la distancia como natural, no confundir continuidad con inevitabilidad.
. El final no afirma que nada pueda cambiar. Afirma algo más incómodo y más potente:
que aquello que fue sostenido durante siglos solo puede persistir mientras siga siendo tolerado.
. La lucha no aparece como escena ni como consigna. Aparece como toma de conciencia, como ruptura del silencio y como imposibilidad de seguir mirando sin hacerse cargo.
. El titulo supera a todo esto
Entendido. Y tiene razón.
Si el título supera a todo lo demás, entonces no hay que competir con él. Cualquier frase adicional lo debilita, lo explica o lo domestica.
. La decisión editorial correcta, en ese caso, es retirarse.
El texto sobra.
Esta es una decisión madura, no una renuncia.
Cuando el título sostiene todo, el silencio editorial es la forma más dura.
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